Cum cin; al meu s-a adaptat, mărit; sau masacrat; povești
Ursula Michel - 11 februarie 2014 la 12:18 pm
O privire înapoi la un gen plin de viață, dar inegal, de la „Albă ca Zăpada” Disney la „Frumoasa și bestia” lui Christophe Gans.
Timp de citire: 10 min
A fost odată ... Această mică propoziție simplă ne aruncă spontan în poveștile unor prințese nefericite, ale copiilor pierduți în pădurile întunecate pradă vrăjitoarelor rele și a monștrilor mitologici.
Poveștile despre Perrault, Grimm și altele conțin toate elemente narative atemporale, puternic simbolice și universale, toate așezate în lumi înfricoșătoare, minunate sau de coșmar. Material literar din tradiția orală și, prin urmare, în continuă evoluție, povestea încearcă să oficializeze riturile de inițiere, un curs obligatoriu al umanității: nu e de mirare atunci că cinematograful, cea mai populară artă, a băut acolo.
Indiferent dacă sunt literale, metaforice sau la modă, adaptările filmului de Albă ca Zăpada, Hansel și Gretel sau Frumoasa și Bestia, pentru a numi doar câteva, au dat naștere la lecturi variate, inspirate sau clasice, culturiste sau onirice. Dacă totul (aproape) se încheie întotdeauna într-un final fericit în țara zânelor, tratamentele pluraliste ale cineaștilor demonstrează și astăzi puterea evocatoare a acestor vechi povești din altă vreme.
La poalele scrisorii
În esență, literal, primele adaptări izbitoare ale basmelor au fost înrădăcinate într-o lume monarhică, un regim politic în vigoare în timpul povestitorilor, din secolul al XVII-lea până în secolul al XIX-lea. Regii, prinții și prințesele rămân astfel personajele așteptate ale filmelor, preluând fără a modifica codurile unei alte ere.
Această viziune înapoi (sau cel puțin conservatoare) este perfect explicată în contextul adaptărilor Disney, care sunt mari consumatori de povești. Destinate unui public tânăr, filmele cu șorici mari nu au niciun interes în recitirea sau recontextualizarea operelor din care provin. Povești edificatoare care ar trebui să distrugă temerile copiilor prin monștri alegorici și figuri eroice, poveștile formează astfel scenariile perfecte pentru desene animate.
Walt Disney nu s-a înșelat când și-a pus ochii pe primul lungmetraj al studioului de animație, în 1937, pe Albă ca Zăpada fraților Grimm. Dacă psihologul Bruno Bettelheim, în La Psychanalyse des tes de fées, subliniază brevetarea udării producțiilor Disney bazate pe basme (morții sunt adesea mai puțin brutali sau de-a dreptul ascunși), spectacolul minunatului pe care studioul îl oferă pentru câteva decenii continuă, în ciuda clișeelor sexiste, tradiția.
Dar filmele de animație nu au monopolul poveștilor cinematografice: în Franța, Jean Cocteau, de exemplu, și-a văzut potențialul formal.
În Frumusețea și bestia (1946), concurează în creativitate pentru a ilustra textul de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont, preferând această versiune față de cea anterioară de Gabrielle-Suzanne de Villeneuve. Oferind un film fidel narațiunii originale, acesta prezintă decoruri magice, costume magnifice și o mască memorabilă a Bestiei.
În mod surprinzător, versiunea 2014 a lui Christophe Gans nu se îndepărtează de linia Cocteau. În timp ce majoritatea adaptărilor de basm au suferit transformări profunde în simbolismul lor și în special în contemporaneitate în ultimii ani, Gans se întoarce la un cinematograf de modă veche, luând în mod greșit așteptările publicului. Dacă efectele speciale au înlocuit efectele speciale, această Frumusețe și Bestia secolului al XXI-lea este ancorată pe reproducerea unei lumi imaginare în care magia este la ordinea zilei, renunțând, de fapt, la a-și oferi lucrării sale un alt (psihologic, social) un alt cadru narativ (schimbarea timpului sau a locului).
Această tendință conservatoare se afla deja în centrul Petit Poucet (2001) al lui Olivier Dahan. Adaptarea poveștii lui Perrault de către regizorul filmului La Môme are aceleași caracteristici ca un Disney, cu excepția filmului propriu-zis.
Fără îndoială, convinși de valoarea intrinsecă a materialului literar și de atemporalitatea sa, Dahan și Gans se reconectează cu vena romantică a filmelor în costume, păstrându-și coaja datată. Dacă cele două încercări reușesc să parieze o transpunere literală, ele refuză să modernizeze aceste legende, o înălțime pentru poveștile orale care nu au altă valoare decât să fie reînnoite constant pentru a se adapta la întrebările unui timp. Astăzi, de exemplu, pădurea nu mai are valoarea simbolică pe care și-a asumat-o în secolul al XVII-lea. Ne-am putea aștepta ca directorii să profite de aceste simboluri pentru a le actualiza și a le găsi o rezonanță contemporană.
La jumătatea distanței dintre o versiune literală și o actualizare a poveștii, propunerea coreeană a lui Yim Pil-sung se dovedește a fi mai relevantă. În Hansel și Gretel (2007), acțiunea se desfășoară astăzi. Combinând elementele originale ale poveștii lui Grimm (pădurea, casa încântătoare a priori, ticălosul care își încheie cursa în fundul unui cuptor), filmul joacă pe o punere în abimă a poveștii fantastice și consecințele pe care le produce cunoștințele sale pe frați.
Bătuți și violați într-un orfelinat din inima unui pădure, celor trei copii li se oferă cartea Fraților Grimm și nefericirea micilor eroi le dă ideea să scape de torționarul lor. În cele din urmă, singuri, răpesc umblătorii pentru a putea juca rolul de părinți pentru o vreme. Oscilând între o poveste macabră învăluită în magie și dramă contemporană, Hansel și Gretel reușesc să reînvie vechea poveste, scăpând de toate zgomotul datat.
Jocuri în oglindă
În această linie, alți realizatori au încercat să moduleze poveștile pentru a iradia mai bine temerile moderne, cum ar fi Matthew Bright în Freeway (1997). O adaptare liberă a Scufiței Roșii a lui Charles Perrault, filmul explorează soarta unei adolescente problematice care dă peste un criminal (marele lup rău). Reînnoind înfășurarea poveștii fără a-și pierde sensul, Autostrada marchează începutul unei ere hotărât iconoclaste în care grila de citire a poveștii este îmbogățită cu o dimensiune realistă.