Expoziție la Muzeul Whitney - Spilling Over 1960s (arhivă)
Culoarea ca metaforă și o realitate experimentată: Muzeul Whitney din New York prezintă interpretări sălbatice ale artiștilor din anii 1960 sub titlul „Spilling Over”, inclusiv Carmen Herrera, Alex Katz și Josef Albers. Era expresionismului abstract s-a încheiat cu multă culoare.
De la Sacha Verna
Ascultați contribuțiile noastre în Dlf Audiothek
- divide
- Tweet
- Buzunar
- A apasa
- Podcast
mai multe despre subiect
Expoziția „Carmen Herrera” La 89 de ani a vândut prima poză
În opera lui Richard Anuszkiewicz, pătratele verzi și albastre par să iasă din imagine și apoi să se retragă în fundalul roșu intens. Morris Louis aruncă roșu și albastru, verde și galben direct pe pânză, astfel încât culorile converg ca râurile spre capătul inferior al imaginii, în timp ce o bucată mare de materie primă rămâne goală între ele. Kenneth Noland, pe de altă parte, permite ca fâșiile orizontale de culoare să se îmbine strâns cu pânza brută - care amintește de un orizont sclipitor și o imagine de testare pe un televizor. Curator David Breslin:
"Expresionismul abstract a fost despre ceea ce se întâmplă în imagine. Pe de altă parte, cu aceste lucruri, ceea ce este important este ceea ce se întâmplă în afara lor. Acești artiști folosesc culoarea pentru a se adresa spectatorului direct, pentru a le stimula percepția și, prin urmare, pentru a crește Schimbare."
Forme și suprafețe colorate, puternic conturate
Dintre cei optsprezece artiști din această expoziție, unii sunt asociați cu Op Art, alții cu pictura pe câmp color - alții sfidează categorisirea. Acesta din urmă îl include pe afro-americanul Bob Thompson, de la care vine una dintre puținele lucrări figurative din expoziție. „Triumful lui Bacchus” a fost creat în 1964 și prezintă un festival exuberant cu oameni galbeni, girafe roșii și elefanți albaștri. Este una dintre acele scene care i-au adus lui Thompson reputația de a picta ca un muzician de jazz care improvizează.
Lucrările colectate sunt, fără îndoială, toate colorate, adesea cu forme și suprafețe puternic conturate. De asemenea, toate corespund cu ceea ce ar fi simbolizat „arta modernă” într-o caricatură populistă de acum aproximativ treizeci de ani. Dar, deoarece aceste asemănări formează o bază oarecum modestă pentru un spectacol tematic, Muzeul Whitney a venit cu o premisă care se potrivește perfect cu discursul la modă despre identitate, incluziune și diversitate. Și anume: culoarea ca metaforă și realitate experimentată. David Breslin:
"Ideea modului în care culorile interacționează, desigur, are implicații politice. Culoarea este ceva ce vedem, dar este și ceea ce ne definește".
O mare de culori adusă împreună cu zelul contemporan
Un semn alături de o poză a lui Kay WalkingStick din 1972 explică tot felul de lucruri pe care se pare că le implică. Apoi, artista a găsit o formă într-o siluetă portocalie care cuprinde identitățile ei multiple ca femeie, mamă și membru al Națiunii Cherokee din Oklahoma. În ceea ce privește o pânză cu pete albastre din 1968, pe care Sam Gilliam a drapat-o ca o perdea, așa cum este tipic pentru el, se spune: Cu aceasta, Gilliam demonstrează că pictura abstractă poate descrie experiența de a fi neagră la fel de bine ca și pictura reprezentativă. Ei bine: dacă Josef Albers ar fi știut că ar atrage atenția privitorului asupra mediului lor social cu studiile sale de culoare, probabil pensula i-ar fi căzut din mână, surprins. În orice caz, un exemplu din celebra sa serie „Omagiu pătratului” atârnă destul de pierdut într-un colț.
Este păcat. Dar, în această mare de culori, amestecată cu zelul zeitgeist, chiar și cele mai remarcabile lucrări sunt condamnate să se prăbușească.