Pictură - Thomas Michel Artă contemporană
Pictura mai are un viitor și o semnificație în era mediilor electronice? Pictura este o oglindă a sufletului uman, iar măiestria sa este un mod de autocunoaștere, condus de voința de a forma. Pentru a putea oferi răspunsuri corecte la noile provocări ale societății media, este necesar să se facă bilanțul artei și picturii moderne.
Două lucruri modelează secolul 21: imaginea și evoluția noilor forme de comunicare. Este de conceput ca ambii termeni în interpenetrarea lor reciprocă să devină sinonime în utilizarea lingvistică, la fel cum au făcut odată cuvintele „imagine” și „magie”. Pentru a putea face față fluxului de imagini digitale, este necesar să parcurgeți catalogul de imagini al omenirii până la începuturile sale. Modernul, crezând în progres, credea că poate continua să scrie acest catalog liniar, dar în era digitală este necesar să dezvoltăm o înțelegere evolutivă a artei. Istoria îi conduce întotdeauna pe oameni înapoi la déjà-vu, recunoașterea veșnică întoarcere a acestuia și conferirea unei forme contemporane este provocarea picturii contemporane.
În istoria Occidentului, cu regularitatea unei legi naturale, s-au alternat epoci, care s-au opus accentului pe rațiune cu emoție și invers. Gama de forme artistice de exprimare a rămas neschimbată. Diferitele genuri de artă s-au dezvoltat în conformitate cu funcția organelor simțului uman. Cea mai originală este imaginea ca mijloc pentru cel mai important organ de simț, ochiul. Evoluția sugerează că orice specie capabilă să dezvolte inteligență și expresie artistică ar începe cu imaginea.
Thomas Michel, Noii nomazi, ulei pe pânză, 1994, 125 × 180 cm
Al doilea gen cel mai important din ierarhia simțurilor necesare supraviețuirii este muzica ca mediu de acustică. Al treilea gen de importanță vitală este dansul, care s-a dezvoltat din mișcare. Imaginea, muzica și dansul aveau o funcție comunicativă care în cele din urmă a dus la una ritualică. Cuvântul și limbajul au evoluat din ritul care a stabilit ierarhia unui grup social. Când termenii au devenit prea complexi pentru reprezentarea vizuală, au fost transformați în caractere, iar personajele au fost folosite pentru a crea scrierea. Aceste forme de expresie artistică stau la baza fiecărei culturi. Ierarhia genurilor individuale și ponderarea lor specifică unul față de altul au format spiritul Occidentului, precum și al oricărei alte culturi. În prima înaltă cultură europeană din Grecia, genurile s-au definit de la început ca o oglindă a sarcinilor lor fiziologice: pictură, sculptură, muzică, dans, teatru, literatură, filosofie, arhitectură.
Remodelarea ulterioară prin creștinism a dat culturii occidentale aspectul său care este valabil și astăzi. Religia modelează relația psihologică dintre o cultură și imagine; în istorie există două modele religioase bipolare care resping imaginea din teama abuzului de putere precum Islamul sau o folosesc conștient ca creștinismul. Într-o cultură care respinge imaginea datorată religiei, literatura și poezia preiau funcția imaginii. În acest caz, mesajul este transmis destinatarului prin cuvânt, în același timp fiind exclusă o utilizare incorectă a imaginii ca idol. Culturile prietenoase cu imaginea utilizează diferiți purtători de imagine pentru a-și transmite mesajele. Suportul de imagine reprezintă suportul și este supus unor schimbări istorice și tehnologice: stânca din peșteră, peretele catedralei, panoul din lemn, pânza țesută, raza de lumină proiectată a filmului, ecranul, totul pictează în sensul cel mai larg. Indiferent de nivelul său tehnologic, fiecare mediu poate fi urmărit înapoi la funcția sa originală, și anume de a oferi informații despre imagine pentru ochi.
Dizolvarea termenului generic în epoca modernă nu ar putea afecta sensul picturii.
Artiștii epocii moderne au încercat să rupă ierarhia stabilită a genurilor artistice care se dezvoltase de-a lungul secolelor. Termenul generic ca atare a fost abolit, în timp ce a fost introdus pluralismul stilistic. Separarea genurilor urma să fie depășită, făcând din limitele lor tema centrală. Permeabilitatea dorită a limitelor genului corespundea și cu un impuls politic al societății iluminate. După cel de-al doilea război mondial, sub influența pieței de artă în creștere, artele vizuale au devenit cel mai profitabil gen din punct de vedere comercial. Prin urmare, nu este surprinzător faptul că artele vizuale au preluat întreaga ierarhie sub pretenția sa de a extinde granițele genurilor. Trucul dadaist, cu care un obiect a fost transformat într-o operă de artă printr-un act de declarare, a oferit artelor vizuale acces nelimitat la caracteristicile altor genuri. Sculptura, literatura, teatrul și muzica au fost absorbite sub vraja conceptului extins de artă.
Ca rezultat, au apărut o serie de genuri hibride, a căror caracteristică comună a fost că acestea s-au revărsat unul în celălalt prin granițe de gen deschise, prin care artistul a devenit maestru de ceremonii prin ritualizarea deschiderii granițelor. Genurile de artă cu caracteristici diferite au fost reduse la aceeași afirmație: totul este artă. În contradicție cu afirmația democratică de bază a conceptului extins de artă, opera de artă era acum și mai legată de personalitatea creatorului său, care a fetișat-o prin ritual. Opera de artă și-a atras din ce în ce mai puțin conținutul dintr-o necesitate interioară, dar a servit artistul pentru a-și asigura valoarea de piață. De la sfârșitul timpurilor moderne, computerul a fost disponibil pentru prima dată ca suport adecvat ca suport de informații pentru toate genurile, dar este o eroare să credem că limitele genurilor antice pot fi depășite în acest fel. Factorul limitativ îl constituie oamenii înșiși, care în era computerelor au încă aceleași organe de simț ca și în antichitate, cu condiția să nu fi fost ruinați în secolul al XX-lea.
Arta și religia au fost întotdeauna strâns legate, arta servind religia mult timp până când a reușit să se emancipeze de ea prin secularizare. Pictura a experimentat vârful independenței sale în lumea ideală a impresionismului. Marcel Duchamp a renunțat la pictură și a pus capăt coexistenței pașnice a artei și a religiei prin întoarcerea roții timpului pe cap și declarând-o bicicletă. Din acel moment, arta și religia au fost din nou legate, deși cu semnul opus, deoarece artistul însuși a funcționat acum ca fondator al religiei. Odată cu introducerea conceptului extins de artă, toată lumea a fost declarată artist, dar zicala ar fi corectă: toată lumea este artist, dar doar câțiva sunt profeți.
Thomas Michel, Zweistromland, ulei pe pânză, 1993, 145 × 180 cm
Pictura își găsește drumul direct în subconștient.
În secolul al XXI-lea, cultura a degenerat într-o simplă marfă pe piețele globale, nu mai există nici o critică a artei și cu greu este posibil astăzi să distingem pictura bună de cea rea. Arta este ceea ce este clasificat drept comercial de piața artei. Dar, chiar dacă pictura a fost declarată moartă de mai multe ori, atracția sa rămâne neîntreruptă, în principal pentru că bidimensionalitatea sa a făcut-o cea mai practică de secole. O magie emană din pictură atunci când o imagine depășește simpla sa concepție, și anume modul în care vopseaua a fost aplicată pe suportul de imagine și modul în care pictorul și-a lăsat urmele fizice. Apoi suprafața imaginii ascunde un secret, o enigmă a istoriei creației sale. O textură, culoare, glazură care este pur și simplu acolo și are o viață reală proprie, detașată de creatorul său, provine din aceeași dimensiune metafică ca primele imagini ale omenirii care erau încă sub vraja magiei.
Acest sentiment apare numai atunci când semnalul își găsește drumul direct în subconștientul observatorului fără a trece prin raport. În genurile clasice și antice, acest lucru este posibil doar în pictura alături de muzică; toate celelalte genuri sunt percepute la nivel cognitiv-intelectual. Mesajele pe care le transmit trebuie mai întâi procesate rațional și traduse în imagini mai simple pentru a ajunge apoi la centrul conștiinței la nivelul de bază al percepției, care este direct abordat de pictură și muzică.
Colajul este un indicator al stării de actualitate.
Una dintre marile realizări ale epocii moderne este colajul. În colaj, fragmente de realități diferite care sunt străine unele de altele sunt reunite la același nivel, dar își păstrează caracterul fragmentar. Egalitatea cu care sunt tratate diferitele elemente individuale necesită o suprafață nivelată sau un cadru cuprinzător. Colajul a ieșit din dadaism, a cărui distrugere a aruncat arta în moloz, pentru a-l lăsa apoi să vorbească de la sine ca simbol pentru reconversia unei ordini discutabile în haosul original.
Numai în literatura și pictura suprarealismului s-a încercat crearea unei noi lumi pe câmpul dărâmat de dărâmă. Motivația suprarealismului a fost în mod clar constructivă, întrucât în colajul suprarealist fragmentele realității nu rămân izolate, ci se completează reciproc într-un dialog reciproc către un nou nivel superior al realității, în care suma totală depășește suma părților sale individuale. Distrugerea și construcția sunt fenomene la fel de succesive la fel de logic ca dezvoltarea arte-istorică a suprarealismului de la dadaism. Apariția reciprocă a fazelor distructive și constructive străbate întreaga epocă a modernității, prin care colajul este un indicator sigur al fazei în care se află actualitatea.
Pierderea percepției sinestezice a dus la pluralism stilistic.
Pe parcursul fragmentării unei estetici de gen încrucișat și holistic, așa cum s-a întâmplat încă în Art Nouveau și simbolism, pluralismul stilurilor independente s-a stabilit în timpurile moderne. Trei mari mișcări colecționare, ale căror scopuri și conținuturi depășesc termenii istorici ai artei cu același nume, au format un triunghi în a cărui zonă de tensiune artistul modern a trebuit să-și definească punctul de vedere: estetica holistică a fost împărțită în viziuni expresioniste, constructiviste și suprarealiste ale lumii. Fiecare dintre aceste viziuni asupra lumii avea propriile obiective care erau în opoziție cu celelalte.
Expresionismul subliniază prea mult gestul și subiectivul. Rămâne în mare măsură fără caracter obligatoriu, renunță la conținut și sfidează restricțiile formale. Diferite mișcări au aplicat acest principiu: grupurile expresioniste precum Brücke, Blauer Reiter și Fauves, în post-războiul modern Art Informel și expresionismul abstract și, în cele din urmă, în anii 80, Neue Wilden.
Thomas Michel, Explozie într-un peisaj, ulei pe pânză, 2004, 130 × 170 cm
În contrast, există constructivism, care subliniază raportul și calculul. Neagă scrierea de mână personală și conținutul psihologic. Tranziția lui Picasso de la perioada roz simbolistă holistică la cubism exemplifică dezintegrarea modernității în trei concepții ale lumii diferite. Cubismul a fost prima mișcare constructivistă; imaginile timpurii create de Picasso și Braque au fost eliberate de scrisul personal de mână în așa măsură încât inițiatorul lor poate fi adesea identificat doar cu dificultate, motivele derivând din obiecte banale de zi cu zi. Cubismul și-a găsit în cele din urmă continuarea în futurism și suprematism rus, în Olanda s-a format mișcarea De Stjil, în timp ce în Germania a fost fondată Bauhaus. În modernismul postbelic, Concept Art și Minimal Art au continuat aplicarea viziunii constructiviste asupra lumii. Pop Art face, de asemenea, parte din constructivism, deoarece ascunde, de asemenea, scrisul personal sau conținutul psihologic.
A treia mare viziune asupra lumii a artei moderne este reprezentată de suprarealism. Suprarealismul subliniază excesiv conținutul psihologic, respingând în același timp restricțiile formale, în acest caz de obicei rămâne subiectiv și arbitrar. Mișcarea suprarealistă s-a opus în special calculului și raportului și a format astfel un antagonism față de constructivism. În modernismul postbelic, aceasta a continuat mișcarea Fluxus și neodadaismul care a apărut din ea. Artistul modern stătea în fața celor trei haruri precum Paris și a trebuit să aleagă una dintre ele pentru a-și defini poziția pe piața artei.
Pictura în vraja dintre această lume și viitorul.
Odată cu secularizarea și emanciparea operei de artă de la client, imaginea părăsește spațiul sacru. Pentru prima dată trebuie să se afirme într-un mediu profan, ale cărui obiecte fără legătură îi perturbă tiparul de unde metafizice și creează o interferență haotică. Pentru a menține perturbarea cât mai mică posibil, se creează o înlocuire a spațiului sacru, care redă operei de artă sfera sa intimă: deja în Renaștere acesta este palatul, a cărui arhitectură și mobilier restabilește relațiile dintre obiecte. În secolul al XIX-lea tabloul a fost prezentat în cadrul privat al salonului până când a fost transformat într-unul public și muzeul a apărut ca un loc de prezentare a artei. În același timp, importanța sacră în scădere a obiectului de artă este compensată de aprecierea sa materială, care duce la dezvoltarea comerțului cu artă. Odată cu industrializarea, a progresat și profanizarea conținutului imaginii, care în impresionism a abolit complet distincția dintre obiectele de cult și obiectele de zi cu zi.
Cubul Alb este spațiul sacru bizantin din timpurile moderne.
Invenția lui Duchamp a produsului deja gata inversează procesul pentru prima dată. O marfă banală precum roata de bicicletă este fetișizată prin plasarea în vraja, în afara vrăjii rămâne doar o roată de bicicletă. Prin acest act de voință, opera de artă revine la rădăcinile sale, dar în același timp dovedește că nu poate exista fără linia magică a vrăjii, adică cadrul. Pentru a păstra aura obiectului transfigurat într-o operă de artă, interdicția trebuie protejată în public. Instituționalizarea muzeului a devenit imperativă pentru a încadra obiectul de artă fetișizat, întrucât acesta s-a eliberat de conținutul său și altfel ar fi rămas invizibil. Funcția cadru a muzeului în sine a devenit în scurt timp conținutul operelor de artă prezentate, în secolul XXI Cubul Alb reprezintă spațiul sacru bizantin al epocii moderne.