Sculptați vocea, ascultați decent opera conform lui Steve Reich
1 Compozitorul Steve Reich ocupă un loc cardinal în acest curent de creație muzicală contemporană despre care se spune că este minimalist, din care a fost unul dintre pionieri. John Adams, care pretinde cu ușurință că este S. Reich fără ca acesta din urmă să-l facă moștenitor, definește această muzică ca fiind „marcată de trei caracteristici principale: pulsație regulată […], structuri formate din modele scurte repetate care evoluează lent, limbaj armonic fundamental tonal ”(În R. Machart, 2004, p. 49). Patru nume sunt atașate la nașterea acestei mișcări inovatoare: LaMonte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass. În cadrul acestui „cerc de rivalități prietenoase” (C. Deliège, 2003, p. 639), Steve Reich iese în evidență pentru munca sa cu vocea și această contribuție este dedicată câtorva aspecte ale acestei lucrări. Mai întâi evoc nașterea minimalismului în muzică, apoi enumer câteva lucrări în care S. Reich își manifestă talentul ca un handyman ingenios înainte de a examina modul în care tratează vocea în cea mai recentă operă a sa, Three Tales (2002).
2 Născut la New York la 3 octombrie 1936, Steve Reich avea un an când părinții săi au divorțat. Tatăl ei este un renumit avocat din New York, mama ei cântând în Los Angeles. Între acești doi poli ai Americii, copilul crește, în ritmul căilor ferate, un mare usque ad mare, de la tatăl său la mama sa și înapoi. El va extrage din această experiență o lucrare majoră, Different Trains (1988), pentru cvartet de coarde și bandă magnetică, în care mobilizează vocile interlocutorilor pe care îi înregistrează el însuși, voci lucrate în așa fel încât să evoce legănarea iritantă a călătorii cu trenul din copilăria sa și introduce zgomote și cuvinte care introduc o referință la acele alte călătorii cu trenul, de altă natură, la care au fost forțați în aceeași perioadă și alți copii evrei, care avuseseră nenorocirea de a fi născuți în Europa.
3 După un ocol prin filozofie, în 1958 a intrat în prestigioasa Școală Juilliard din New York. Timp de trei ani, a studiat compoziția acolo, și-a înmulțit primele eseuri, l-a întâlnit pe Philip Glass fără să-l facă aliat, a lucrat la gândirea serială a lui Schoenberg, nu a obținut niciun fel de plăcere și a plecat să exploreze drumuri laterale în Golful San Francisco. La Colegiul Mills din Oakland și-a finalizat studiile în 1963, după ce a luat lecții de la Darius Milhaud și Luciano Berio fără să fi făcut un master.
4 Mișcarea postmodernă este apoi marcată de gestul radical al lui John Cage care, în 1953, compusese 4'33 '', o lucrare cu pretinsă intenție artistică, care constă într-un pianist care rămâne așezat în fața instrumentului său tăcut timp de patru minute. și treizeci și trei de secunde. 4’33 ’’ este o „bucată de tăcere” și nu „muzică”. Steve Reich este atent la John Cage, fără să-l facă un idol. Pentru el, această formă de „artă inferențială” (R. Kostelanetz, 1991) este o demisie a compozitorului. El își urmărește căutarea de noi orizonturi, nu-și mai ascunde interesul pentru jazz, presupune să compună muzică tonală și participă astfel la apariția unui curent explorator care va fi structurat în jurul pianistului Gunther Schuller: „jazz în douăsprezece tonuri”. Dar se va opri aici, pentru că intenționează să-și creeze propria cale, bogată în pasiuni, abilități și preocupări care îl traversează. Ascultă muzică din alte părți, explorează resursele muzicii concrete la San Francisco Tape Center, creează coloane sonore pentru două filme experimentale de Robert Nelson, compune pentru teatrul San Francisco Mime Troupe, își creează propriul grup de improvizație și cunoaștere furtunoasă cu Terry Riley.
5 În 1959, în timp ce se afla încă la Școala Juilliard din New York, auzise un Trio cu corzi compus cu doi ani mai devreme de LaMonte Young. Lucrarea constă din note lungi susținute, într-un timbru invariabil, amplificat astfel încât să facă auzite armonicele. Este opera fundamentală a minimalismului contemporan, dar Steve Reich nu o știe încă când este la concert. El îi amintește lui Vincent Borel și Ariel Kyrou de episodul [1]: „De fapt, am auzit trio-ul de coarde al lui LaMonte cu Phil Glass la Juilliard în 1959 și am râs cu toții! ". Dar dacă îi distrează pe studenți, trio-ul va avea un efect complet diferit asupra lui Terry Riley, care își imaginează imediat o lucrare repetitivă, în Do major, pentru un număr nedeterminat de instrumente. Gestul este comparabil, prin radicalitatea sa, cu îndrăzneala desfășurată cu zece ani mai devreme de John Cage. Va fi In C, opera fundamentală a esteticii minimaliste în muzică, iar Steve Reich se află în orchestră când va avea premiera la San Francisco în iarna anului 1964.
6 Scorul se potrivește într-o singură pagină. Propune repetarea ad libitum a cincizeci și trei module de lungimi inegale. În C se întâlnește un succes considerabil, „un succes revoluționar și ideologic în același timp” (T. Riley, 1996, p. 321). Pagina In C este copiată generos, reprodusă textual în coperta albumului care a însoțit înregistrarea de Columbia Records în 1968 și apare în majoritatea antologiilor [2]. Acest succes lansează o dinamică de desacralizare care va marca permanent peisajul muzical contemporan și la care Steve Reich va participa acum intrând în această lume cu prețul a două capodopere controversate, atât poezie, cât și muzică, și care sunt prezente ca sculpturi ale unei voci înregistrate. (vezi mai jos): It's gonna rain (1965), Come out (1966).
7 Dar nu se va opri aici. În 1970, o bursă de la Institutul pentru Educație Internațională l-a trimis să studieze percuția la Institutul de Studii Africane de la Universitatea Ghana din Accra. În 1973 și 1974, a lucrat la tehnica gamelanilor balinezi din Seattle și Berkeley. Această rută neobișnuită l-a determinat să compună câțiva hibrizi care au sunat într-un mod foarte ciudat și au câștigat sprijinul unui public numeros. Și așa se întâmplă că Muzica pentru 18 muzicieni devine, în 1976, opera prin care Steve Reich este consacrat în același timp de instituțiile responsabile de „muzica învățată”, de industria înregistrării și de adepții Pink Floyd. Această „operă emblematică a minimalismului sofisticat” (Pierre Gervasoni, Le Monde, 6 octombrie 1997) care și-a făcut reputația, participă în același timp la stabilizarea acestui stil care va merita pentru LaMonte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass și, mai târziu, John Adams vor avea loc în familia artiștilor minimalisti alături de artiști plastici precum Barnett Newman, Franck Stella, Donald Judd, Sol LeWitt, Robert Morris, Dan Flavin sau Carl Nadre [3].
8 Pasiunea exploratorie a lui Steve Reich nu încetează niciodată, iar vocea rămâne în centrul preocupărilor sale. Din 1976 până în 1977, a studiat formele tradiționale ale cantilării scripturilor ebraice la New York și Ierusalim, iar această experiență l-a văzut compunând o lucrare majoră, Tehillim (1981). În 1978 a obținut primele sale comisii: Muzică pentru un ansamblu mare, pentru ansamblul olandez de vânt; Octet, pentru Hessischer Rundfunk din Frankfurt. Interpretate de cele mai renumite orchestre, operele sale sunt coregrafiate de Anne Teresa de Keersmaeker, Jerome Robbins, Alvin Ailey, Lucinda Childs ...
9 Această recunoaștere i-a adus înscrierea în panteon. În 1990, Steve Reich a primit premiul Grammy pentru cea mai bună compoziție contemporană pentru Diferite trenuri înregistrate de Kronos Quartet. În 1994 a fost membru al Academiei Americane de Arte și Litere. În 2003, a fost nominalizat la Premiul Pulitzer pentru opera sa Three Tales [4]. Va fi și în 2004, pentru Cellocounterpoint și în 2005 pentru You Are (Variații), fără a obține până acum recompensa supremă. Notorietatea sa depășește cercul instituțiilor muzicale învățate. Munca sa a hrănit îndrăzneala DJ-ului techno și un album de remixuri i-a fost dedicat în 1996 de virtuoși de eșantionare impetuosi care, în ciuda sa, l-au stabilit ca tatăl techno-ului [5]. Iată câteva metode de procesare a vocii la a căror inițiativă numele său rămâne atașat.