Dans! Dans! Dans! "- L Express
Cine mai bun decât el întruchipează pasiunea irepresionabilă pentru dans? Cine mai bun decât el a contribuit, timp de o jumătate de secol, la marea revoluție conceptuală a baletului și l-a consacrat ca o artă majoră a timpului? Din anii 1950, Maurice Béjart a urmărit o muncă pacientă, alinindu-și creațiile ca fragmente dintr-un jurnal privat în care se dăruiește complet. Bucată cu bucată, a creat o lume în care ne întâlnim cu Nietzsche, Baudelaire, Mallarmé, Barbara, Molière, unde vorbește despre fericire și suferință, pentru a exista. Înainte de vizita sa, din 15 iunie până în 15 iulie, la Opera din Paris, care găzduiește Concursul său, el spune aici de ce dansul nu este doar o artă sau un limbaj, ci o necesitate, o evidență. Pentru el, a trăi înseamnă a dansa.
Aceeași privire clară, aceeași voce precisă, aceeași atenție intensă acordată dansatorului său și aceeași rigoare pe care o cunoaștem de zeci de ani. El este acolo, într-unul din studiourile sale de repetiție din Lausanne, tricou și pantaloni negri, neschimbați Béjart. Barul, podeaua, oglinda. Și încă lucrează, și încă lucrează. Cu încăpățânare, adaugă o nouă piesă în universul său bogat de peste 200 de balete: Simfonie pentru un singur om (1955), Le Sacre du Printemps (1959), Boléro (1961), Messe pour le temps present (1967), L ' Oiseau de feu (1970), sau recent Lumière. Corpul său vibrează în ritmul mișcărilor dansatorului pe care îl dirijează, de parcă ar fi făcut un transfer. Iubirea-pasiunea artei sale, care vizează ușurința insuportabilă și uneori atinge inaccesibilul: unirea aproape mistică a corpului și a minții.
Unele dintre baletele tale, care au fost revoluționare la vremea lor, precum Boléro sau Le Sacre du Printemps, sunt acum predate în școlile de dans. Alături de multe altele, precum Le Concours, au intrat în repertoriul Operei din Paris. Ai fost primul dintre contemporani. Acum ești un clasic. Când reușim să ajungem la publicul de astăzi, care trăiește în același timp cu ei înșiși, care suferă ca ei înșiși, care iubesc ca ei înșiși, suntem mereu contemporani. Atunci, fie că suntem de modă veche și te uităm; sau altfel baletul continuă să aibă un impact și, la rândul nostru, devenim clasici. Acesta este într-adevăr cazul Bolero. Să spunem că clasicul este ceea ce studiem în clasă, precum baletele lui Martha Graham. Dar contemporan sau clasic, ce importanță? Există dans, atât.
Ambiția, visul tău, ai spus odată, a fost să-l transformi în arta secolului al XX-lea. Acum că am terminat cu acest secol amuzant, se pare că pariul a avut succes. În mare parte datorită ție.
Dacă am contribuit la istoria baletului în secolul al XX-lea, este scoțându-l din capelele sale elitiste și aducându-l unui public numeros. Multă vreme, dansul a fost neglijat. Teatrul și-a văzut apogeul la sfârșitul secolelor al XVI-lea și al XVII-lea, cu Shakespeare, Calderon, Molière, Racine. În secolul al XVIII-lea, a venit rândul noilor filozofii și sociale; al romanului, în secolul al XIX-lea; cinema, la începutul secolului XX? Dans? Am ascuns rolul pe care l-a jucat în tot acest timp, am uitat Ballet comique de la Reine comandat de Catherine de Medici, am uitat că Ludovic al XIV-lea dansează nu numai la curte, ci în public, până la patru creații în fiecare an (el a dat Le Ballet de la nuit la Tuileries, timp de două săptămâni, într-un teatru cu 3.000 de locuri!). Dansul a rămas la marginea altor arte, limitat la un public mic de baletomani.
Primul germen al schimbării a fost Baletele Ruse din anii 1910. La Paris, ne-am luptat în sală, ca în trecut pentru Hernani.
Ballets Russes a fost o revoluție artistică, care a dezvăluit compozitori precum Stravinsky, Debussy, Ravel, dar nu o revoluție „populară”. În anii 1950 și 1960, am căutat inconștient să fac pentru balet ceea ce făcuse Jean Vilar pentru teatru, cu Gérard Philipe, Jeanne Moreau, Maria Casarès: o artă deschisă, riguroasă, chiar dificilă, care se adresează unui public numeros. Când am ajuns la Paris după război - abia aveam 18 ani - serile de balet la Opera erau oferite doar miercuri. Exista, din când în când, compania marchizului de Cuevas sau a lui Roland Petit, care crease Le Jeune Homme et la Mort. Dar asta a fost! În 1964, am fost primul, alături de La IXe Symphonie, care a prezentat un spectacol de dans în săli mari, în săli de sport, în aer liber. În 1967, Jean Vilar mi-a comandat o creație - era La Messe pentru ziua de azi - și datorită lui, dansul și-a luat locul la Festivalul d'Avignon. Am vrut ca mulți oameni să se poată alătura și ei dansului.
Ceea ce nu era atât de evident.
Mi s-a spus: „Am să vin să văd baletul; dar, știi, nu înțeleg nimic ". I-am răspuns: "Dar nu este nimic de înțeles!" Dansul este ca pictura abstractă: un șoc vizual și emoțional. Fie simți ceva, fie nu simți nimic. Ori îți place, sau nu-ți place. Desigur, îl însoțim adesea cu un discurs intelectual sau psihologic, noi vaticin. Dar asta nu interesează pe nimeni! Tot ceea ce contează este ceea ce transmitem.
Ceea ce se așteaptă spectatorul, a spus coregraful George Balanchine, este să i se spună propria poveste.
Aceasta este ceea ce este magie. Când am creat primul meu spectacol, Symphonie pour un homme seul, un balet fără o poveste reală, cu muzica lui Pierre Henry, destul de dificil, în fiecare seară oamenii veneau la mine să-mi spună: „Ți-am înțeles baletul!” Și, de fiecare dată, am auzit o versiune diferită, pe care nu mi-o imaginasem niciodată. Construiesc forme, nu pentru mine, ci pentru ca toată lumea să le poată locui și să-și pună propria poveste în ele. Depinde de toată lumea să se recunoască în balet.