Mai 2020; Amator d; artă
Rezumat martie-aprilie-mai 2020
Rezumatul conținutului: mai multe recenzii de carte (9) decât expoziții (4).
Și o altă carte (pe un subiect foarte specific):
Academicianul american Penny Howell Jolly analizează cincisprezece tablouri pictate între 1432 și 1535 de artiști nord europeni (în special flamand: Rogier van der Weyden, Joos van Cleve, Quentin Massys) reprezentând-o pe Maria Magdalena, singură sau într-o scenă din grup. Dintr-un element al rochiei sale, șireturi pe jumătate nedezirate, ea deduce, la sfârșitul unei analize extrem de bine documentate și învățate, că o astfel de îmbrăcăminte denotă sarcină, care, în cazul Marie-Madeleine, este desigur doar spirituală (nu, nimic de-a face cu Codul Da Vinci!). Subliniind ambivalența dintre un păcătos și un sfânt, ea analizează simultan reprezentări ale Magdalenei cântând la lăut, citind sau ca un penitent gol. O temă oarecum ciudată și o cercetare remarcabilă.
Înfățișând Magdalena „însărcinată” în arta nordică, 1430-1550. Abordarea și dezbrăcarea păcătosului-sfânt, Routlege 2016 [2014], 258 pagini, 20 ilustrații color, 55 ilustrații alb-negru, în colecția „Femeile și sexul în lumea modernă timpurie”.
Fețele șterse ale lui Julian Opie
Este, fără îndoială, perfect potrivit ca prima expoziție pe care o văd deconfinată și fața ascunsă de o mască, să arate ființe umane care, nici ele, nu au față, ale căror trăsături sau gură, nas sau ochi (ele). Expoziția de Julian Opie la Muzeul Berardo ar fi trebuit să se deschidă pe 19 martie, dar am avut doar un videoclip inaugural cu artistul și curatorul, un aperitiv excelent. Muzeul a fost redeschis acum o săptămână și expoziția va dura până pe 30 august. Pe lângă cele patru încăperi dedicate acestuia, există și lucrări în fața clădirii, într-una din curți, chiar în intrarea Muzeului (și poate altele pe care nu le-am văzut ...).
Julian Opie, „Pessoas” - Museu Colecção Berardo. Vedere expoziție, ph. Rita carmo
Opie stă la confluența a două curente: cea a artistului, descendent, o diversiune a reprezentării realității și cea a spectatorului, ascendent, o inducție dintr-un desen către o persoană. Opie inventează un limbaj vizual, la granița dintre hieroglif și pictogramă, înainte de invenția scrierii liniare, un limbaj simplu în concepția sa (câteva linii simple, un contur negru evidențiat integral sau decupat, câteva forme predeterminate, câteva culori de bază) și complexe ca sens, oferindu-le fiecărei identitate. Cum se face că aceste portrete fără priveliști sunt atât de evocatoare ale unei prezențe, au atât de multă putere de a ne angaja, în ciuda îndoielii care ne apucă? Cureaua (cu atenție?) Evită să o menționeze în cartea sa de pe fețe: nu există loc pentru anti-scalp.
Julian Opie, „Animale” - Museu Colecção Berardo. Vedere expoziție, ph. Rita carmo
O parte importantă a operei lui Opie se referă și la clădiri și peisaje. Există doar două lucrări de acest tip aici, turnuri în grădina Muzeului și o cameră în care panourile suspendate din țesătură evocă arhitectura manuelină și Turnul Belem din apropiere. Există, de asemenea, o cameră dedicată animalelor, care arată ca jucării pentru copii; porumbeii LED care ciugulesc în grădină sunt amuzanți, dar acestui oblon îi lipsește densitatea figurilor umane. Catalog cu multe imagini frumoase ale lucrărilor și instalațiilor anterioare, cu scurte texte ale lui Julian Opie despre lucrarea sa, dar nimic direct pe lucrarea prezentată aici și o scurtă introducere a curatorului conform acestor rânduri.
Fotografiile 1 și 2 ale autorului.
Anne Brigman, o icoană feministă ?
Un articol newyorkez care circulă în anumite cercuri mă îndeamnă să reacționez și să scriu despre fotograful american Anne Brigman (1869-1950), a cărui lucrare o cunosc puțin. Într-adevăr, exegeții acestui articol îi subliniază invizibilitatea, dominația de către patriarhat, negarea, minimizarea recurentă: uitată și ostracizată pentru că este femeie. Acesta este un discurs deja auzit despre Frida Khalo, Camille Claudel, Unica Zürn și mulți alții, fără a reveni la cazul Berthe Morisot. Acest discurs se repetă în domeniul fotografiei cu, de exemplu, Gerda Taro sau Gertrude Käsebier, toate victime ale patriarhatului (lăsând deoparte, presupun, invizibilitatea, negarea și minimizarea lui Suzanne Malherbe). Acest discurs militant ar fi mai credibil dacă nu ar muta imediat deoparte studii istorice, estetice și, în unele cazuri (Claudel, Zürn), studii clinice asupra acestor artiști pentru a le exploata mai bine.
Anne Brigman, The Bubble, 1906, 17,8 × 22,9cm
Fotograf necunoscut, fotografiere Anne Brigman
La începutul secolului al XX-lea, San Francisco nu era un mare centru cultural (și cutremurul din 1906 nu a ajutat), ci, cultural, un mic oraș de provincie. Chiar și în acest context strâns, Brigman, destul de ciudat, nu pare să fi interacționat cu Arnold Genthe, poate atunci cel mai bun fotograf din California, care a fost profesorul lui Dorothea Lange. S-a întâlnit cu Francis Bruguière, de asemenea membru al Photo Secession, și cu Imogen Cunnigham, care s-a inspirat inițial de la nudurile sale înainte de a trece la fotografii mai dense; mai mult, amândoi aveau cariere mai strălucitoare decât Brigman. Contrar a ceea ce se poate citi, Brigman nu a fost singurul membru al Photo Secession la vest de Mississippi (ci singurul „Fellow”): pe lângă Bruguière în San Francisco și Harry Runbicam în Denver, se găsește cel puțin Adelaide Hanscom Leeson (California, atunci Alaska; cunoscută pentru Rubaiyat) și trei femei din Oregon, Myra Albert Wiggins, Lily Edith White și, cel mai interesant pentru mine, Sarah Hall Ladd).
Anne Brigman, Autoportret cu câinele ei Rory, imprimeu colorat
Pe lângă publicațiile sale din Camera Work (12 fotografii în patru numere, legate cu Käsebier, 12 imagini în două numere), Brigman a avut numeroase publicații și expoziții în timpul vieții sale și a avut chiar un mare succes. Cu siguranță nu era invizibilă. De atunci a fost, în Franța, în expoziția Gulbenkian din 2009 (catalogul o definește drept „feministă adevărată”) și în cea de la Muzeul d'Orsay din 2015 (catalogul spune, curios, „amator”). În Statele Unite, a avut mai multe expoziții personale de la moartea sa în 1950: la Oakland în 1974, la Santa Barbara în 1995, în Ontario în 2005, la Nevada Museum în 2019 (un muzeu excelent în memoria mea), la Gray NYU Art Gallery în 2020 (expoziția anulată din cauza pandemiei; vezi acest videoclip). O monografie importantă va apărea în curând. Muzeul Metropolitan are în jur de 40 de amprente ale ei. Dar este sigur că nu avea vizibilitatea lui Stieglitz sau a lui Imogen Cunningham. De ce ? Ce s-ar întâmpla dacă, în loc să vorbim despre negarea patriarhală sistemică (de care Cunningham ar fi scăpat), dacă ne-am uita la opera ei ?