Vincent van Gogh și japonism; Editura Dingsda

Editura + galerie

Vincent van Gogh și japonismul

Despre biografia lui Vincent van Gogh

Recepția de artă japoneză a lui Van Gogh

Vincent și Moartea

„... oricine dorește să scrie o carte, să facă o faptă, să picteze un tablou în care există viață, trebuie să fie el însuși o persoană vie ...” 1

Aceste cuvinte provin de la Vincent Willem van Gogh, în vârstă de 34 de ani, care s-a împușcat din viață aproape trei ani mai târziu cu un glonț revolver.

Van Gogh este considerat unul dintre principalii exponenți ai postimpresionismului, precum și un pionier pentru fauvism, expresionism și artă contemporană. Judecând după scrisorile sale, este caracterizat ca o persoană prin puterea sa extraordinară de voință, mânia sa la locul de muncă, compasiunea față de ceilalți oameni și setea necondiționată de adevăr. Ca o piatră de hotar în artă, van Gogh a creat o operă incomparabilă în termeni de intensitate și expresivitate în câțiva ani. În ciuda greutăților financiare, a problemelor de sănătate și a singurătății insuportabile, dar și creative pentru el, el a continuat mereu să-și împingă pictura înainte și să dezvolte idei noi.

Vincent van Gogh a simțit că nu mai are mult să trăiască și a lucrat ca un om posedat tocmai pentru că în 1883 a permis ca „corpusul” său să fie „între șase și zece” ani. 2

Van Gogh nu a căutat să se apropie de oameni prin asemănarea fotografică, ci a folosit în schimb cunoștințele sale moderne despre culoare și simțul culorii ca mijloc de exprimare și ca mijloc de îmbunătățire a caracterului, astfel încât portretele sale „100 de ani mai târziu să apară ca niște apariții oamenilor de atunci” . 3

S-a văzut ca un colorist căruia îi plăcea să exagereze cu culoarea. În scrisoarea sa către fratele Theo din 3 septembrie 1888, a încheiat cu cuvintele: „Să-și exprime speranța printr-o stea. Pasiunea unei persoane printr-un apus de soare strălucitor. Aceasta nu este cu siguranță o iluzie realistă a ochilor, dar nu este ceva care există cu adevărat? ”4

Van Gogh a văzut sentimentele omului ca simbolizate în simbolistica apariției naturii, pe care a exprimat-o prin culori bogate și puternice.

În confruntarea constantă cu „frica pânzei albe”, care poate hipnotiza pictorii, Vincent van Gogh a recurs la mijloacele de auto-sugestie și s-a convins cu succes că pânza albă se „temea de adevăratul, pasionatul pictor”. 5

Desigur, pânza albă nu se temea de van Gogh, pictorul cu pasiune. Dar și prin imensa sa putere auto-sugestivă au fost create capodoperele sale, care au fost influențate decisiv de arta japoneză.

Acest fenomen va fi examinat mai detaliat mai jos.

1. Despre biografia lui Vincent van Gogh

Van Gogh s-a născut la 30 martie 1853 în Zundert, un mic oraș rural din Brabantul de Nord, la exact un an după un frate mort cu același nume ca primul dintre cei șase copii. Fiind pastorul Theodorus van Gogh și soția sa Anna Cornelia, fiica unui legător de cărți, el a crescut în satul natal, unde a urmat prima dată școala din satul Zundert.

La vârsta de unsprezece ani, părinții l-au trimis la un internat din Zevenbergen și apoi în 1866 la Școala de Burgeri Hoogere din Tilburg, pe care a părăsit-o înainte de sfârșitul celui de-al doilea an din motive necunoscute. Cu unchiul său, care era dealer de artă la Haga, van Gogh și-a început viața profesională ca ucenic de dealer de artă și a făcut primele sale experiențe cu pictura de artiști contemporani. Și-a încercat mâna ca profesor asistent, predicator și legător de cărți. A început chiar să studieze teologia, pe care a întrerupt-o după un an din cauza dezamăgirii sale față de fariseism și a materialismului clerului protestant.

Când Van Gogh a luat drumul artistului, acesta avea 27 de ani. Fratele său Theo, etichetat ca un eșec de către părinți, i-a oferit sprijin sprijinindu-l atât din punct de vedere financiar, cât și în demersurile sale artistice.

În plus, el a fost cel mai apropiat om de confidență și cel mai important om.

În 1880 a desenat intens scene din mediul minerilor și a copiat lucrări de Millet. Pentru a intra în contact cu alți artiști, s-a mutat la Bruxelles în octombrie 1880 și a studiat desenul anatomic și de perspectivă la academia de artă. În noiembrie 1880 l-a cunoscut pe pictorul olandez Anthon van Rappard, cu care s-a împrietenit și a schimbat idei despre probleme artistice.

În 1881, pe lângă peisaje, au fost create în principal lucrări care simbolizează viața fermierilor. În noiembrie și decembrie 1881 l-a vizitat pe pictorul Anton Mauve, vărul său prin căsătorie la Haga, pe care îl admira și care l-a instruit în acuarelă și pictură în ulei.

În 1882, după câteva săptămâni, a întrerupt cursurile pentru că Vincent nu dorea să lucreze din modele de ipsos.

Din decembrie 1883 a locuit la Nuenen. Imagini din zonă și fermieri au fost create acolo. În 1885 a creat „Manganii de cartofi”, tabloul principal al acestei perioade. Această imagine oferă informații despre starea sa mentală. La fel cum culorile întunecate și sumbre domină imaginea, la fel a făcut Vincent, care eșuase în aproape toate aspectele vieții burgheze. Nu era un dealer de artă de succes. În calitate de student la teologie și profesor asistent, a renunțat curând și femeile de care s-a îndrăgostit i-au dat umărul rece. Practic, el a fost un om eșuat, care s-a solidarizat cu cei slabi și pariați, cu tăietorii de cărbune, țesătorii, țăranii, muncitorii docului și prostituatele.

De asemenea, era o prostituată însărcinată cu care putea sau dorea să rămână până când a decis să o părăsească și să se dedice exclusiv artei.

În acest proces de luare a deciziilor, el a început să se deschidă spre impresionism și s-a inspirat din grafica japoneză, pe care o întâlnise deja la Anvers în 1885.

Ceea ce a descoperit în xilogravurile japoneze i-a dat speranță să înceapă lupta ca artist și să-i facă viața să pară semnificativă pentru el.

În 1886, Vincent s-a mutat la Paris la fratele său Theo, unde a început cu pasiune să colecționeze artă japoneză și să-și instruiască simțurile cu privire la această artă. Acolo a întâlnit și dealerul de vopsea Julien Tanguy, care i-a arătat poze cu Seurat, Gauguin și Cezanne și l-a promovat. Peste 200 de picturi au fost create în acest timp, încorporând ideile pe care le-a tras din arta japoneză.

În februarie 1888 s-a mutat la Arles în Provence, unde spera să găsească „și mai mult soare”. În Arles s-a simțit de parcă ar fi fost în Japonia. El i-a scris fratelui său Theo:

„Aș vrea să poți fi aici pentru o vreme, l-ai simți după un timp, felul în care vezi lucrurile este diferit, vezi cu mai mulți ochi japonezi, simți culoarea diferit.” 6 Aici a mers din octombrie până în decembrie 1888 cu Paul Gauguin o comunitate de artiști care a eșuat din cauza diferitelor personaje.

La 8 mai 1889, van Gogh s-a retras la o fostă mănăstire lângă Saint Remy-de-Provence, care oferea azil pentru bolnavii mintali. A suferit de psihoză epileptoidă. După un an, a părăsit acest refugiu și a plecat pentru ultima oară pentru o scurtă ședere la Paris pentru a-și vedea fratele, pentru a fi în grija doctorului din Auvers-sur-Oise pe 19 mai. Gachet să se îmbarce. După încercarea de sinucidere, a murit pe 29 iulie 1890.

2. La japonezism

Japonismul descrie influența artei japoneze asupra artelor lumii occidentale. De când Japonia și-a încheiat izolarea autoimpusă prin Acordul Konagawa dintre delegația americană sub Matthew Perry și guvernul shogun japonez în 1854, multe antichități japoneze, opere de artă și artizanat și-au făcut drum spre Europa, în special spre Franța și Olanda, prin comerț.

Arta japoneză a exercitat o mare influență asupra impresioniștilor francezi. Odată cu Târgul Mondial de la Paris din 1867, arta japoneză s-a stabilit în Europa. Cultura japoneză și-a găsit drumul în viața de zi cu zi a unei societăți frumoase, de exemplu oamenii îmbrăcați în kimonos, au luat ceremoniile ceaiului și au mobilat saloanele cu ecrane. În jurul anului 1870, a izbucnit la Paris o adevărată „fugă” de comori exotice din Asia de Est. Tot ce japonez a fost brusc la modă. A apărut o pasiune pentru colecționarea artei japoneze, în special a gravurilor japoneze pe lemn. În anii 1870 și 1880, colecționarii francezi, estetici și critici de artă au călătorit în Japonia pentru a studia arta și cultura japoneză. Printre ei s-au numărat economistul Henri Cernuschi, criticul Théodore Duret, care au rămas amândoi în Japonia între 1871 și 1872 și colecționarul britanic William Anderson, care a predat medicina la Edo câțiva ani.

Artiștii japonezi care au avut un impact uriaș au fost Hiroshige, Utamaro și Hokusai. Pe lângă Vincent van Gogh, alți artiști occidentali precum Claude Monet, Camille Pissaro, Emil Orlik și Gustav Klimt și-au luat rolul. În plus, acești artiști au fost entuziasmați de mătăsile colorate, sclipitoare și de modelele asimetrice ale hainelor japoneze. Monet și Klimt au pictat așa-numitele „naturi moarte kimono” în care au încercat să se apropie de rezistența culorii, efectul contrastant și strălucirea materialului textil.

Reînnoirea culturală și dezvoltarea asociată a unei afaceri înfloritoare în arta japoneză a dus la rândul său la o pierdere de prestigiu pentru tehnicile tradiționale din Japonia, care au avut, de asemenea, un impact asupra importanței artei artiștilor japonezi în propria țară. În schimb, interesul pentru tehnicile occidentale de pictură, imprimare și fotografie a crescut în Japonia. De-a lungul timpului, tendința modei japoneze a fost creată de artiști, astfel încât odată cu apariția japonezismului s-a creat o contrapondere la impresionism și s-a dezvoltat o atitudine interculturală față de viață.

3. Recepția lui Van Gogh a artei japoneze

O altă lucrare a lui Hiroshige pe care Van Gogh a folosit-o ca model este „Prunul înflorit din grădina Kameido”. În prim-planul imaginii puteți vedea o parte a unui copac mare cu petale delicate, albe, a căror ramură mijlocie iese în diagonală în imagine. Schimbarea extremă de dimensiune între arborele din prim-plan și arborii din fundal este un semn distinctiv

Scheme compoziționale japoneze. Oamenii din fundal sunt descriși doar în dimensiuni mici în xilografia lui Hiroshige, dar sunt clar recunoscuți, în timp ce în opera lui Van Gogh oamenii aproape fuzionează cu fundalul.

A treia foaie pe care a copiat-o Van Gogh a fost o reproducere a paginii de titlu a „Paris Illustré” din ediția specială „Le Japon”, publicată la 1 mai 1886. Acest original, proiectat de Keisai Eisen, arată un actor japonez într-un rol feminin. În această reproducere, care se baza pe o gravură pe lemn multicoloră, van Gogh a fost fascinat de culoare, integrarea ornamentală a figurii în suprafață și „leagănul” figurii. Van Gogh l-a plasat pe actor, care este îmbrăcat într-un kimono viu colorat, pe un fundal auriu și galben și a plasat portretul într-un cadru creat din imaginația care prezintă motive naturale. Așa cum a văzut van Gogh cu amprentele de lemn japoneze, aici a așezat penelul pe suprafețele interioare și a folosit borduri care ornamentează structura culorilor.

Vincent van Gogh s-a ocupat nu numai de gravurile japoneze, ci și de tehnicile de desen din Asia de Est. Pentru desenele sale, el a folosit în cele din urmă un stilou pe care l-a tăiat el însuși pentru a se apropia de secvența individuală de puncte și linii a japonezilor. În plus, el a folosit cerneală maro de bistrou și sepia datorită eliminării lor mai mari, pentru a pune glazuri de cerneală peste structura tipică caligrafică a canalului, al cărui ton a adaptat-o la canalul modelelor sale. Observând îndeaproape natura cu „ochii japonezi”, van Gogh și-a supus stilul de desen la o reducere asemănătoare grilei în 1887/88, care conținea în principal structuri de linii și puncte. Când și-a dezvoltat tehnica de desenare, probabil că s-a bazat pe sistemul de puncte și linii al lui Hokusai. Hokusai a fost un model excelent pentru el. Cu desenul cu stuf, van Gogh a simplificat lucrurile și le-a readus la formele lor de bază. Folosind diferite structuri, linii paralele, puncte și ecloziune, linii groase și subțiri, el caracterizează rocile și vârfurile copacilor, iarba sau cerul.

Prin desen, Van Gogh a ajuns la o nouă expresie picturală, pe care a realizat-o cu ajutorul mijloacelor grafice, conducta de stuf a desenelor sale, prin care culoarea suprafeței creează impresia de a fi în mișcare.

Când Van Gogh și-a pictat prietenul și negustorul de vopsea Tanguy, care se numea Père Tanguy, în 1887/88, l-a așezat în fața unui fundal decorativ cu motive japoneze, care contrastau cu figura lui Tanguy. În comparație cu colorarea strălucitoare și complementară a figurilor exotice din fundal, figura bătrânului prietenos se remarcă datorită colorării întunecate și a stilului puternic de pictură. Focalizarea imaginii este fața amabilă a dealerului de vopsea și mâinile sale distinctive, desenate de lucrare, care contrastează lumina și culoarea lumii artei japoneze. Această imagine arată clar că recepția lui Van Gogh a artei japoneze nu este o retragere într-o idilă ireală, ci mai degrabă că el a păstrat privirea pe care au văzut-o „Manganii de cartofi”.

În vara anului 1888, Van Gogh, care a crescut în țară, a lucrat la „Semănător”, al cărui a creat mai multe versiuni ca desen cu stilou și pictură în ulei. Una dintre ele arată semănătorul din jumătatea stângă a imaginii ca o figură întunecată în fața soarelui apus. Din jumătatea dreaptă a imaginii un copac iese în cerul pictat galben-verde. Acest „copac este aici în sensul arborelui original japonez cu apusul soarelui un semn al vieții în declin”. Al 7-lea

Visul mult îndrăgit al lui Van Gogh despre Atelierul din Sud, în care artiștii trăiau și lucrau împreună, urma să se împlinească în octombrie 1888. A închiriat o garsonieră în „Casa Galbenă” din Arles și, în așteptarea deplină a sosirii prietenului său pictor Paul Gauguin, a pictat celebrele picturi de floarea-soarelui care urmau să împodobească camera lui Gauguin. El a pictat imaginile de floarea-soarelui cu răsăritul soarelui „dintr-o dată”, deoarece florile s-au ofilit repede. Făcând acest lucru, el s-a străduit să găsească o tehnică de pensulă fără „trucuri”, „o pensulă variată” 8, așa cum o numea el. Smulse de la pământ, așezate într-o vază și se ofilesc repede, floarea-soarelui din tablourile lui Van Gogh, în simplitatea lor, devin flori ale vieții veșnice. În aceste poze și-a exprimat dorul de căldură și siguranță.

În scrisoarea sa, pe care i-a scris-o fratelui său Theo la 26 septembrie 1888, scrie: „Când studiezi arta japoneză, vezi cum își petrece timpul un om incontestabil înțelept, filosofic și inteligent? Pentru a studia distanța lunii de pământ? Nu; să studiezi politica lui Bismarck? Nu; studiază un singur fir de iarbă. Dar acest fir de iarbă îl face să atragă toate plantele, apoi toate anotimpurile, peisajele vaste, în cele din urmă animalele, apoi figura umană ... Uite, ceea ce ne învață acești japonezi simpli nu este aproape o religie adevărată Trăiți natura ca și cum ar fi ei înșiși flori? ”9

Când se ocupă de această religie, Van Gogh și-a ras capul și a pictat un autoportret pe care arată „ca un japonez”. Probabil că autoportretul său s-a bazat pe reprezentarea preotului budist Musô Sogeki din secolul al XIV-lea, pictată de Mutô Shûi. Ambele imagini au în comun privirea îndreptată spre gol și structura piedestalului, care subliniază în mod deosebit capul. Fundalul imaginii este luminos, cu aproape nici o umbră, iar ochii sunt „puțin strâmbați ca japonezii”. 10

Această imagine, pe care a dedicat-o lui Gauguin, simbolizează poziția sa socială, care a fost caracterizată prin „sărăcie și izolare socială” 11, așa cum a afirmat el însuși.

La 23 decembrie 1888, după o ceartă violentă cu Gauguin van Gogh, visul unei comunități de artiști s-a încheiat. Gauguin a plecat și Van Gogh și-a rănit urechea dreaptă cu aparatul de ras. După o ședere în spital a pictat „Autoportretul cu ureche bandată” în 1889.

Vătămatul și disperatul Vincent van Gogh se întoarce spre privitor pe un fundal verde cu șevalet și xilografie japoneză. Vincent este singur. Pălăria de blană semnalează că îi este frig.

4. Vincent și Moartea

În tabloul meu, pe care l-am pictat cu vopsea acrilică în 2000 și care se intitulează „Vincent și moartea”, atât Vincent, cât și moartea sunt în hohote. Înclinat spre Vincent, sprijinindu-și brațul peste umăr, Moartea ține peria în fața ochilor într-o noapte „nebună”. De când a izbucnit boala sa, Vincent a avut din ce în ce mai multe convulsii în care trebuie să suporte temerile de moarte. Deci, uneori, moartea este la fel de aproape de el ca viața.

Eu însumi mă simt aproape de Vincent pentru că pot înțelege foarte bine această „condus” din interior și din exterior. Această ființă constantă ruptă înainte și înapoi între griji materiale, probleme de sănătate și propria lucrare, pictură, a fost și este de importanță existențială pentru fiecare artist.

În această imagine, moartea nu reprezintă doar sfârșitul iminent al vieții lui Van Gogh, ci și o lume „brutală” care stăpânește individul, o realitate pustie pe care Vincent a declarat-o război pentru a nu părea pustiu ca pictor cu culorile sale. a lasa. Simplitatea și abundența luminii artei japoneze se reflectă în operele sale de artă în respectul pentru natură, care include umanitatea. Pentru Vincent van Gogh nu a fost vorba doar de o tehnică de pictură și desen, ci de o întrebare filosofică pe care a încercat să o trăiască.

Simbolizez că a eșuat din cauza asta. A. în reducerea galbenului. - Forța elementară a soarelui se retrage și se pierde în lumina lunii.

Melissa McQuillan, Van Gogh, München 1998

Anja Brug, Vincent van Gogh, München 2004

Japonism, Vincent van Gogh, Wikipedia

Programul Dingsda-Verlag, Querfurt 2001